Art Contemporain

Voici une petite liste pour ceux qui souhaitent s'immerger dans une expérience artistique sans frais supplémentaires, découvrant ainsi quelques trésors cachés.  

• SUBBRIXIA, l'initiative qui diffuse l'art contemporain dans les stations de métro de la ville, prend la forme d'un musée souterrain en constante évolution. Cette exposition permanente en cours de réalisation a pour objectif de s'étendre progressivement à toutes les stations de la ligne du métro.  

« Gothic Minerva», de Patrick Tuttofuoco, 2016, station de métro « San Faustino » 

L'artiste milanais Patrick Tuttofuoco, résidant à Berlin, explore la stratification complexe de l'histoire et de la ville de Brescia, découverte lors de la construction du métro. À l'aide de tubes au néon colorés soufflés à la main, il crée une représentation lumineuse de figures clés de Brescia, telles que les têtes de Minerve et de Claude II le Gothique, présentes dans les collections du musée, superposées au chapiteau corinthien, élément fondamental pour la découverte du Capitole, qui est aujourd'hui le cœur du Brixia, le parc archéologique de la Brescia romaine. Les lumières s'allument et s'éteignent, créant des effets évanescents qui oscillent entre figure et abstraction. La connexion simultanée de tous les néons met l'accent sur l'accumulation et la stratification, soulignant ainsi le lien entre les éléments et la ville. 

« Brixia2 », de Marcello Maloberti, 2015, station de métro « Stazione FS » ; installation avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Galleria Raffaella Cortese de Milan. 
 
« Brixia » est le titre de l'œuvre conçue par l'artiste Maloberti – originaire de Lodi –, placée entre les deux escaliers roulants de la station de métro de Brescia. La conception de l'œuvre en tant que panneau routier est étroitement liée à son contexte, qui est l'une des portes de la ville. Il s'agit d'une sculpture-objet qui s'étend verticalement, en coupant horizontalement l'espace, elle descend d'en haut comme un lustre et agit comme un élément attractif pour les passants. L'inscription « Brescia » est placée à l'envers pour symboliser conceptuellement une deuxième ville, la ville « archéologique » qui se développe sous terre, délimitant ainsi deux villes spéculaires, l'une se développant à la surface et l'autre, ancienne, sous la couche perceptible. 
 

« Mind the gap3 », de Nathalie Du Pasquier, 2022, station de métro « Vittoria » 
 

L'artiste et designer française, pionnière du groupe de design Memphis dans les années 1980 et aujourd'hui figure internationale de premier plan, transforme les carreaux de céramique, typiques des métros, en un élément distinctif de la station « Vittoria ». Il invite les visiteurs à regarder et à expérimenter les lieux avec une nouvelle perspective, en suggérant un changement de rythme dans la vie de tous les jours. Les carreaux colorés Margherita conçus par Du Pasquier pour Mutina couvrent les surfaces, tout en créant un arc-en-ciel de céramique qui n'est pas seulement décoratif, mais qui sert aussi de siège ou de comptoir. La céramique, connue pour sa durabilité et sa facilité de nettoyage dans les lieux publics, devient une expression artistique dans les mains de Du Pasquier et encourage les passagers à se laisser aller à des moments de pause et de contemplation.  

« BrixiaDue », d’Andreas Angelidakis, 2024, station de métro « Bresciadue ». 
 
L'artiste-architecte grec Andreas Angelidakis a choisi le métro de Brescia pour explorer l'architecture en tant que lieu d'interaction sociale, en combinant l'ancien et le contemporain dans une forme de désorientation. En travaillant sur la structure de la gare, il a transformé les supports et les raccords de murs en quatre imposantes colonnes grecques, offrant ainsi un voyage ironique à travers le temps. Inspiré par la stratification du temps dans les profondeurs du sous-sol, Angelidakis montre l'ancienne Brixia dans son contexte moderne. Les colonnes, revêtues de laine de roche et de PVC, incarnent le concept de « ruines douces », représentant la nature changeante de la réalité. Se qualifiant lui-même d'« architecte qui ne construit pas », Angelidakis déconstruit la vie contemporaine à l'aide de l'architecture ancienne. La série des « ruines douces », avec des colonnes en caoutchouc mousse et en PVC, se situe entre l'espace numérique et l'espace analogique. En tant qu'architecte traditionnel, Angelidakis a adopté les expériences virtuelles, qui influencent ses recherches dans des œuvres telles que « BrixiaDue », où les colonnes d'acier expriment le temps non linéaire et la transformation continue de la réalité. 
 
 

« Incancellable Vittoria4 », d’Emilio Isgrò, 2020, station de métro « Stazione FS »  
 

« Incancellabile Vittoria » d'Emilio Isgrò est un hommage monumental à la statue de la Victoire ailée, composé de 205 panneaux de fibrociment fraisés sur une surface de 200 mètres carrés. L'installation redessine les contours de la déesse romaine avec des ratures, caractéristiques de son langage expressif.  
La silhouette de la déesse romaine, soulignée en rouge et reconnaissable à ses ailes et à la position relevée des bras, émerge d'une grille plus large composée de ratures noires sur un passage de l'Enéide de Virgile, poète classique qui a probablement fréquenté ces régions puisqu'il est né dans la région de Mantoue, non loin de Brescia, et auteur du chef-d'œuvre littéraire qui raconte la fondation de Rome, sa grandeur et celle de son empire dont Brixia (l'ancienne Brescia) était l'une des villes les plus importantes.   
Le projet, offert à la ville, représente une nouvelle porte d'entrée symbolique et culturelle. L'œuvre, inspirée de la stratification du temps et de la figure de la déesse romaine, offre un message de force et d'unité sociale dans une période compliquée, telle que celle vécue pendant la pandémie de la Covid-19. Isgrò, qui entretenait une relation de longue date avec Brescia, a voulu contribuer à la renaissance de la ville à travers son art. Cet artiste reconnaît l'histoire de Brescia en soulignant que, si la Victoire ailée était autrefois un symbole d'unité nationale, l'œuvre est aujourd'hui destinée à inspirer un redémarrage courageux.  

• DANS LES RUES 

« La Stele5 », de Mimmo Paladino, 2017, place Vittoria  

Une figure humaine aux traits stylisés, de 6 mètres de haut, en marbre espagnol Nero Marquina, se dresse à l'angle sud-ouest de la place. Il s'agit de « La Stele » de Mimmo Paladino, dont l'emplacement divise et relance le débat de longue date sur l'importance de la resémantisation des symboles de la mémoire fasciste dans la ville. Le piédestal sur lequel repose la stèle est en fait une reconstruction de celui qui servait de base à l’« Ère fasciste », une statue placée ici en 1932 et louée par le Duce comme une synthèse figurative de l'Homme du Ventennio. Aujourd'hui, et pour les dix prochaines années, le piédestal sera occupé par la stèle du grand maître de la Transavantgarde italienne Mimmo Paladino :  une œuvre qui assimile les caractéristiques stylistiques de l'avant-garde du XXe siècle et les transforme en mémoire et en avertissement.  
Elle a été réalisée exprès pour le projet « Brixia Contemporary » de la fondation Brescia Musei et de la municipalité de Brescia, dont l'artiste international Mimmo Paladino a été le protagoniste en 2017. 

«  Il peso del tempo sospeso6 »", de Stefano Bombardieri, 2020,  place Vittoria 

Le rhinocéros suspendu dans le Quadriportico de la placeVittoria, faisant partie de l'œuvre de Stefano Bombardieri intitulée « Le poids du temps suspendu », est une sculpture emblématique et évocatrice. Réalisée en fibre de verre, longue de 4 mètres, attachée à des tiges convergentes, flottant à environ 3 mètres au-dessus de la terre qui, temporairement, ne lui appartient pas, elle représente un poids tangible qui reflète des moments de joie ou de douleur extrêmes. La gamme de gris s'harmonise avec le marbre environnant, mais exprime également le sentiment de dépaysement de l'homme-animal, qui cherche à s'ancrer dans un monde apparemment dépourvu de certitudes. 

L'œuvre de Bombardieri, qui met en scène des animaux imposants, évoque des questions sur les réactions humaines face à des événements qui remettent en cause l'équilibre précaire de la vie. Il aborde des thèmes tels que le temps, la perception, la douleur et le sens de l'existence. L'œuvre du rhinocéros, située dans le centre-ville, devient un prototype visuel et un alter ego de l'artiste. Inspiré d’une séquence du film « E la nave va 7» de Federico Fellini, Bombardieri a créé une œuvre qui reflète la condition humaine, en particulier pendant une période marquée par l'incertitude due à l'état d’urgence lié à la Covid-19. 

Le rhinocéros suspendu et bloqué représente métaphoriquement la condition humaine de suspension et d'incertitude ;  cependant, l'artiste met l'accent sur la volonté de toucher à nouveau le sol, comme le rhinocéros qui, bien qu’il soit immobilisé, est prêt à remettre les pieds sur terre. 

« La Luce in Tasca8 », du Collettivo artistico DMAV (Dalla Maschera al Volto9), 2023  

Le projet Museo Pasquali - Agazzi comprend trois œuvres d'art contemporain créées par le Collettivo artistico DMAV, qui illuminent les espaces urbains en l'honneur de Rosa et Carolina Agazzi, deux pédagogues influentes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle qui ont contribué au développement de la didactique et de la pédagogie des écoles maternelles en Italie et à l'étranger. 

Le langage artistique contemporain est mis au service de l'histoire de la pédagogie, avec une reprise graphique par le collectif DMAV. Les œuvres, réparties dans trois lieux significatifs de la biographie des sœurs Agazzi, créent un parcours poétique et physique. Chaque ouvrage résume les éléments clés de leur pensée pédagogique, en mettant l'accent sur l'importance des « petites choses » concrètes et matérielles dans le processus éducatif. 

• « little things to become big10 », au numéro 3, de la rue Veronica Gambara, au lycée éponyme, attire l'attention sur le concret, en soulignant l'importance du matériel déconstruit et du  « bric-à-brac » qui capte l'intérêt des enfants, ce qui est essentiel pour un parcours éducatif.  

• « naturaAnima11 », au numéro 23 de la rue Brigida Avogadro, à l’Istituto Artigianelli, près de l'endroit où vivaient les Agazzi. Le tube au néon joue sur l'écriture alternée de la Nature et de l'Âme, deux concepts totalement imbriqués dans la pédagogie d'Agazzi, où l'Être dans sa globalité au contact de la nature trouve sa plus haute expression. 

•  L'installation « IONOI12 », rue Ambaraga, à l'arrière du presbytère de l'église Santa Maria in Mompiano, où Carolina est entrée pour la première fois en 1895 avec 100 enfants, dans ce qui est devenu le lieu où la pédagogie d'Agazzi a commencé à se consolider. Le tube au néon nous rappelle que l'enfance est toujours l'ouverture d'un espace social et la construction d'un monde commun :  une dimension dans laquelle le moi et les autres, unis dans l'entrelacement du nous, donnent forme et sens à la réalité. 

 « Pietra e Albero13 » de Giuseppe Penone, 1976, avenue Venezia 
Un exemple remarquable de l'Arte Povera, créé par Penone pour l'exposition « Art et environnement », est installé dans le parc Rebuffone. L'œuvre associe un bloc de Botticino à un marronnier d'Inde, incarnant les codes poétiques de l'artiste. L'artiste explore la combinaison des changements environnementaux et des gestes humains, en chevauchant le temps et l'espace, et réfléchit aux possibilités (et aux limites) de l'action de l'homme sur la nature. 

Le mot français  « aître » (dérivé de  « atrium ») rappelle phonétiquement l'infinitif du verbe  « être » et suggère un lieu ouvert, un terrain ouvert et l'agencement interne d'un espace. Ce mot évolue vers le sens de conscience et d'abîme de la pensée, superposant la notion d'espace physique à celle d'être. De même, Penone, dans son travail, explore l'espace en relation avec l'être en tant qu'existence corporelle et perception par les sens. 

À l'intérieur du jardin, un bloc de Botticino placé à côté d'un marronnier d'Inde présente des rainures à l'arrière qui rappellent, sous une forme minimaliste, les colonnes d'un temple dorique. Malgré des années de vandalisme, le bloc rocheux présente aujourd'hui des traces de bleu. 

La clé de la compréhension de l'œuvre est la métamorphose observable entre le rocher et l'arbre. En cinquante ans, la distance qui les sépare s'est réduite, soulignant le passage du temps en millimètres. Penone ajoute ainsi un troisième élément, à l'être et à l'espace physique c’est-à-dire l’élément temporel, qui unira les deux éléments de composition de l'installation. 

Par cette œuvre, Penone veut faire comprendre que les conséquences des actions humaines peuvent également se manifester à long terme. Si elles sont réalisées consciemment, ces actions peuvent guider la nature vers un rapprochement progressif avec son propre écosystème. L'œuvre devient un indicateur non seulement de l'espace, mais aussi du temps et, par conséquent, de l'existence. 

(Texte partiellement repris de Nicolò Fiammetti, in bresciaartguide.it) 

• MUSÉE DE SANTA GIULIA 

« Floating Santa Giulia14 », de Fabrizio Plessi, 2021-2023 

L'œuvre, créée par Fabrizio Plessi en tant qu'installation in situ pour l'exposition « PLESSI SPOSA BRIXIA », fait désormais partie des collections permanentes du musée grâce à la donation de l'artiste. 

Placée à côté de « Santa Giulia crocifissa », une sculpture du XVIIe siècle attribuée à Giovanni Carra, l'artiste a reproduit numériquement la figure féminine grâce à une photogrammétrie complexe, en se concentrant sur la draperie sculptée comme une forme parlante et changeante, symbolisant le flux du temps et de l'histoire. 

L'œuvre fait partie d'un travail multimédia complexe dans lequel Plessi utilise une technologie avancée pour réinterpréter des sculptures classiques et les projeter à côté des originaux. La technologie devient ainsi un activateur iconique, réveillant le regard distrait des visiteurs des expositions et mettant en lumière ce qui semble figé et oublié. 

En se concentrant sur l'iconographie de Santa Giulia, Plessi déclare : « Je veux lui donner vie, le faire bouger dans le vent, comme s'il était encore là », nous invitant à réfléchir au message éternel de l'histoire contenu dans ce bien historique et artistique. En enrichissant l'œuvre d'un langage contemporain, l'artiste explore des thèmes tels que le pouvoir de la foi, le drame du sacrifice et la capacité de l'art à surmonter la fin des choses matérielles grâce à son élan transcendantal. 

• VIRIDARIUM - Parc de sculptures, Musée de Santa Giulia 

L'art contemporain dans le Viridarium : les espaces verts à l'extérieur de la domus, enrichis d'essences d'arbres répandues et utilisées à l'époque romaine à des fins ornementales, culinaires ou thérapeutiques, accueillent des installations d'art contemporain acquises au fil des ans : Il Terzo Paradiso (2015) de Michelangelo Pistoletto, We started with a Flame (2019) d'Ariel Schlesinger, Formiamo umanità (Vite operose) (2023) de Valerio Rocco Orlando, et Mondo d’acciaio (2023) d'Emilio Isgrò. 

 « Il Terzo Paradiso15 », de Michelangelo Pistoletto, 2015 

Le terme « paradis », qui vient du persan ancien, signifie « jardin protégé ». L'histoire de l'humanité a connu deux paradis : le premier, entièrement régi par la nature ; le second, un paradis artificiel forgé par l'intelligence humaine au fil des siècles, apportant des améliorations à la vie humaine mais aussi des conflits avec le monde naturel. Michelangelo Pistoletto conçoit le troisième paradis comme une recherche de réconciliation entre des polarités opposées, telles que la nature et l'artifice, qui ne peut être réalisée que par une responsabilité sociale collective. 

L'installation de Pistoletto relie des vestiges de pierres anciennes au sol à de fines feuilles d'aluminium sur le mur, créant ainsi un dialogue symbolique entre l'art du passé (représenté par les pierres romaines) et celui du présent (symbolisé par l'acier inoxydable). Le premier cercle évoque le paradis dans lequel l'homme était intégré à la nature, tandis que le second représente le paradis artificiel, résultat de l'intelligence humaine avec des besoins, des produits et des plaisirs artificiels. 

Le troisième paradis, au centre, symbolise la conjonction des deux précédents et propose une nouvelle étape de la civilisation planétaire dans laquelle la nature et l'artifice coexistent en équilibre. Cette condition est cruciale pour assurer la survie de l'humanité, esquissant une vision d'harmonie et d'équilibre entre les deux forces. 

  « We started with a Flame16 », d'Ariel Schlesinger, 2019, Courtoisie Galerie Massimo Minini  
 
Dans le jardin du Viridarium se trouve un arbre en bronze de 7 mètres de long de l'artiste contemporain israélien Ariel Schlesinger. Il s'agit d'un moulage en bronze d'un grand kaki aux branches arthritiques. Il s'intitule « We started with a Flame ». Schlesinger veut que cet arbre, qu'il imagine avoir survécu à un événement destructeur, représente la force de la nature qui s’embrase mais ne brûle jamais. En effet, parmi les tonnes de matière, brûle une minuscule et inépuisable flamme qui ne peut même pas égratigner l'écorce.  
L'œuvre combine une recherche constante sur la transformation d'un événement négatif en positif, l'exploitation de quelque chose d'ordinaire comme possibilité créative, un désir inédit de confrontation avec la grande sculpture qui ne perd jamais de vue la valeur de la surprise.  

 
« Formiamo Umanità17 », de Valerio Rocco Orlando, 2022 

  « Formiamo Umanità » est une sculpture lumineuse qui fait partie du projet artistique « Vite Operose » de Valerio Rocco Orlando, organisé dans la province de Brescia. La région se distingue par son multiculturalisme et son ouverture aux nouveaux citoyens, notamment par le biais de l'emploi. Lancé en 2012 par la fondation « Brescia Musei » en coopération avec l'association « Amici del FAI e Arte », le projet vise à intégrer les nouveaux résidents grâce à la connaissance du patrimoine artistique local. 

En commençant par des cours de formation pour les médiateurs artistiques et culturels, le projet a impliqué des citoyens italiens et étrangers, promouvant l'intégration et le dialogue interculturel. Valerio Rocco Orlando a travaillé avec ce groupe pour explorer les formes de participation sociale résultant de la valorisation du patrimoine culturel et du rôle du travail dans l'intégration sociale. 

Le dialogue a débouché sur un atelier créatif au cours duquel chaque participant a formulé des phrases significatives. Orlando a sélectionné la plus emblématique,  « FORMIAMO UMANITÀ », et l'a transformée en une sculpture lumineuse au néon, fabriquée à la main en édition unique. Cette œuvre, qui fait partie d'un cycle comprenant des installations sur la tour du château Berlucchi à Borgonato et dans la cour du GAMeC à Bergame, incarne le rôle de l'art en tant que langage universel qui facilite le dialogue entre les différentes cultures etpromouvant la formation d'une humanité partagée à travers l'art. 
 

 « Mondo d’acciaio18 », d'Emilio Isgrò, 2024 

L'œuvre d'Emilio Isgrò conclut le parcours artistique qui a commencé avec les installations temporaires de « Isgrò cancella Brixia19 » dans le format « Stades archéologiques ». Cette œuvre, située dans le Viridarium - Parc de sculptures de Santa Giulia, représente un imposant globe en acier d'un diamètre de 4 mètres. Émergeant de la pelouse dans la crête verte orientée vers le nord, le   « Mondo d’acciaio » dialogue de manière équilibrée avec l'espace monumental qui l'entoure. 

Le globe, semblable à une boule fixée au sol par l'axe de la terre, présente des surfaces terrestres opaques. L’artiste utilise sa technique d'effacement particulière pour recouvrir les noms des villes sur les méridiens et les parallèles en acier massif, ne laissant en évidence que Brescia, appelée par son nom latin Brixia. Ce geste symbolique indique que seule cette ville peut résister à l'oubli de l'effacement, représentant la force de ses racines romaines et sa capacité à survivre dans l'histoire. 

Le maître, très impliqué dans la valorisation du patrimoine archéologique de Brescia depuis 1957, s'interroge sur la détermination des origines dans l'histoire et revendique le rôle fondamental de Brescia dans ce contexte. L'œuvre d'Isgrò donne à la ville une histoire autonome et identifiable, en reconnaissant la façon dont Brescia a protégé son passé tout en maintenant un dialogue constant avec la contemporanéité. Le lien profond de Brixia avec la romanité est célébré en tant que communauté culturelle et civique exceptionnelle, reflétant son statut de patrimoine de l'UNESCO dans un espace archéologique historique. 

• CHÂTEAU DE BRESCIA 

 « Scimpanzé20 », de Davide Rivalta, 2023 
Les sculptures animalières de Rivalta, créées spécialement pour le château de Brescia à l'occasion de l'exposition « Sogni di gloria21 », reproduisent des animaux rencontrés et photographiés dans des parcs et des parcs zoologiques : des corps en captivité, arrachés à leur milieu naturel, auxquels Rivalta redonne dignité et vie dans un nouveau contexte. Les sculptures configurent l'image d'un nouveau monde, dans lequel le paysage anthropisé, le parc du château, qui a été, entre autres choses, le site d'un parc zoologique jusqu'en 1988, devient le territoire de l'animal, une sorte de royaume de singes anthropomorphes. 

Le groupe de chimpanzés qui est resté après la fin de l'exposition occupe placidement la Fossa dei Martiri, dans la zone nord du donjon Visconti. 

Ces primates s'approprient des espaces, mais expriment parfois l'intention de vouloir en envahir de nouveaux, un désir de conquête et d'extension de leur domination sur le lieu. Le titre de l'exposition,  « Sogni di gloria », faisait précisément référence à cette impulsion suggérée par les postures des animaux et leurs mouvements et trajectoires hypothétiques, à travers lesquels l'espace réel devient également le champ d'énergie de la sculpture.  

• CIMETIÈRE MONUMENTAL VANTINIANO 

 « Cacciati dal Paradiso22 », de Giuseppe Bergomi, 2023 

L'œuvre de Giuseppe Bergomi est un mémorial aux victimes de la Covid-19 le long de l'avenue principale du cimetière de Vantiniano. Cette œuvre, conçue et réalisée par le célèbre artiste originaire de Brescia, compte parmi les créations les plus pertinentes sur le sujet dans le paysage artistique international. 

L'artiste a moulé six figures féminines et six figures masculines en bronze noir, les représentant la tête baissée, nues et vulnérables, afin de symboliser la solitude intrinsèque de l'humanité face à l'adversité, en particulier face à la force dévastatrice de la pandémie et d'autres événements imprévus qui apportent souffrance et deuil. 

Au centre de la composition, deux personnages émergent avec un cri de douleur, rappelant l'iconographie de l’« Expulsion du jardin d’Eden » peinte par Masaccio dans la fresque de la chapelle Brancacci, à l'intérieur de l'église Santa Maria del Carmine à Florence. Ce choix iconographique confère à l'œuvre une intensité symbolique qui souligne le destin tragique des victimes du virus et leur séparation déchirante d'avec leur harmonie originelle.