Zeitgenössische Kunst

Hier ist eine kurze Liste für diejenigen, die ohne zusätzliche Kosten in eine künstlerische Erfahrung eintauchen und dabei einige verborgene Schätze entdecken möchten.  

• SUBBRIXIA, die Initiative zur Verbreitung zeitgenössischer Kunst in den U-Bahn-Stationen der Stadt hat die Form eines sich ständig weiterentwickelnden unterirdischen Museums. Diese Dauerausstellung in progress soll nach und nach auf alle Stationen der U-Bahn-Strecke ausgedehnt werden.  

Gotische Minerva, von Patrick Tuttofuoco, 2016, U-Bahn-Station San Faustino 

Der in Berlin lebende Mailänder Künstler Patrick Tuttofuoco erforscht die komplexe Schichtung der Geschichte und der Stadt Brescia, die er beim Bau der U-Bahn vorgefunden hat. Mit farbigen, mundgeblasenen Neonröhren schafft er eine leuchtende Darstellung von Schlüsselfiguren für Brescia, wie den Köpfen von Minerva und Claudius II. dem Goten, die in den Museumssammlungen vorhanden sind. Hinzu zählt das korinthische Kapitell, ein Schlüsselelement für die Entdeckung des Capitolium, heute Angelpunkt des Brixia - Archäologischer Park des römischen Brescia. Die Lichter schalten sich ein und aus und erzeugen Fading-Effekte zwischen Form und Abstraktion. Die gleichzeitige Verbindung aller Neons unterstreicht die Akkumulation und Schichtung und hebt den Zusammenhang zwischen den Elementen und der Stadt hervor. 

Brixia, von Marcello Maloberti, 2015, U-Bahn-Station am Bahnhof; Installation mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Raffaella Cortese-Galerie von Mailand. 
 
Brixia" ist der Titel des Werks von dem Künstler Maloberti aus Lodi, das zwischen den beiden Rolltreppen der U-Bahn-Station am Bahnhof Brescias steht. Die Konzeption des Werks als Straßenschild ist eng mit seinem Kontext verbunden, der eines der Stadttore ist. Es handelt sich um ein skulpturales Objekt, das sich vertikal ausdehnt, den Raum horizontal durchschneidet, wie ein Kronleuchter von oben herabhängt und als attraktives Element für Passanten wirkt. Der Schriftzug „Brescia" ist umgekehrt gestellt, um konzeptionell eine zweite Stadt zu symbolisieren - die „archäologische" Stadt, die sich unterirdisch entwickelt - und damit zwei spiegelbildlich erscheinende Städte abzugrenzen, eine, die sich an der Oberfläche entwickelt, und die andere, antike, unter der wahrnehmbaren Schicht. 
 

Mind the gap, von Nathalie Du Pasquier, 2022, U-Bahn-Station Vittoria  

Die französische Künstlerin und Designerin, die in den 1980er Jahren zu den Pionieren der Designgruppe Memphis gehörte und heute zu den führenden internationalen Persönlichkeiten zählt, verwandelt die für U-Bahnen typischen Keramikfliesen in ein unverwechselbares Element der U-Bahn-Station Vittoria. Sie lädt die Besucher dazu ein, ihre Umgebung aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten und zu erleben, und suggeriert einen Tempowechsel im Alltag. Die farbenfrohen Margherita-Fliesen, die Du Pasquier für Mutina entworfen hat, bedecken die Oberflächen und bilden einen Keramik-Regenbogen, der nicht nur dekorativ ist, sondern auch als Sitz- oder Stellfläche dient. Keramik, die für ihre Langlebigkeit und einfache Reinigung an öffentlichen Plätzen bekannt ist, wird in den Händen von Du Pasquier zu einem künstlerischen Ausdruck, der die Fahrgäste zu Momenten des Innehaltens und des Betrachtens anregt.  

BrixiaDue, von Andreas Angelidakis, 2024, U-Bahn-Station Bresciadue. 
 
Der griechische Künstler und Architekt Andreas Angelidakis hat die U-Bahn von Brescia gewählt, um die Architektur als Ort der sozialen Interaktion zu erforschen, indem er das Alte und das Zeitgenössische in einer Form der Desorientierung verbindet. Bei der Arbeit an der Struktur der U-Bahn-Station verwandelte er die tragenden Streben und Wände in vier imposante griechische Säulen, die eine ironische Reise durch die Zeit darstellen. Inspiriert von den Zeitschichten in den Tiefen des Untergrunds, zeigt Angelidakis das alte Brixia in seinem modernen Kontext. Die mit Steinwolle und PVC verkleideten Säulen verkörpern das Konzept der soft ruins und stehen für die ständige Veränderung der Realität. Angelidakis, der sich selbst als „Architekt, der nicht baut" bezeichnet, strukturiert das zeitgenössische Leben anhand antiker Architektur um. Die Serie soft ruins mit Säulen aus Schaumgummi und PVC steht zwischen dem digitalen und dem analogen Raum. Als traditioneller Architekt hat Angelidakis virtuelle Erfahrungen angenommen, die seine Forschung in Werken wie BrixiaDue beeinflussen, wo Stahlsäulen die nichtlineare Zeit und den kontinuierlichen Veränderungsprozess der Realität ausdrücken. 
 
 

Victoria, die man nicht auslöschen kann, von Emilio Isgrò, 2020, U-Bahn-Station am Bahnhof  
 

„Incancellabile Vittoria“ von Emilio Isgrò ist eine monumentale Hommage an die Statue der geflügelten Siegesgöttin, die aus 205 gefrästen Faserzementplatten auf einer Fläche von 200 Quadratmetern besteht. Die Installation zeichnet die Umrisse der römischen Göttin durch Streichungen nach, die für seine Ausdrucksweise charakteristisch sind.  
Die rot gestrichelte Silhouette der römischen Göttin, die an ihren Flügeln und erhobenen Armen zu erkennen ist, tritt aus einem größeren Raster hervor, das aus schwarzen durchgestrichenen Stellen auf einer Passage aus der Aeneis von Publius Vergileus Maro besteht, einem klassischen Dichter, der sich wahrscheinlich in diesem Gebiet aufhielt, da er in der Gegend von Mantua, nicht weit von Brescia, geboren wurde, und Autor des literarischen Meisterwerks, das von der Gründung Roms, seiner Größe und der seines Reiches erzählt, in dem Brixia (das antike Brescia) eine der wichtigsten Städte war.   
Das Projekt, das der Stadt geschenkt wurde, stellt ein neues symbolisches und kulturelles Eingangstor dar. Das vom Konzept der Zeitschichten und der Figur der römischen Göttin inspirierte Werk, vermittelt eine Botschaft der Stärke und des sozialen Zusammenhalts in einer schwierigen Zeit wie der Coronavirus-Pandemie. Isgrò, der eine langjährige Beziehung zu Brescia hat, wollte mit seiner Kunst zur Wiedergeburt der Stadt beitragen. Isgrò würdigt die Geschichte Brescias und betont, dass wie die geflügelte Siegesgöttin in der Vergangenheit ein Symbol der nationalen Einheit war, so soll das Werk heute zu einem mutigen Neubeginn inspirieren.  

• AUF DEN STRAßEN 

Die Stele, von Mimmo Paladino, 2017, Piazza della Vittoria  

In der südwestlichen Ecke des Platzes steht eine 6 m hohe menschliche Figur mit stilisierten Gesichtszügen aus spanischem Nero Marquina-Marmor. Es handelt sich dabei um Mimmo Paladinos „La Stele", deren Standort umstritten ist und die die seit Langem geführte Debatte über die Bedeutung der Erinnerung an die Symbole des Faschismus in der Stadt entfacht. Der Sockel, auf dem die Stele liegt, ist in der Tat eine Rekonstruktion des Sockels, auf dem die „Faschistische Ära" stand, eine Statue, die 1932 aufgestellt und vom Duce als bildliche Synthese des „Mannes der Zwanzig Jahre" gepriesen wurde. Heute und in den nächsten 10 Jahren wird der Sockel von der Stele des großen Transavantgarde-Meisters Mimmo Paladino eingenommen: Ein Werk, das die stilistischen Merkmale der Avantgarde des 20. Jahrhunderts aufnimmt und in Erinnerung und Mahnung verwandelt.  
Ein künstlerisches Werk, das eigens für das Projekt Brixia Contemporary der Fondazione Brescia Musei und der Gemeinde Brescia geschaffen wurde, dessen Protagonist 2017 der internationale Künstler Mimmo Paladino war. 
 

Das Gewicht der Zeit im Ungewissen, von Stefano Bombardieri, 2020, Piazza della Vittoria 

Das schwebende Nashorn im Quadriportico an der Piazza della Vittoria, Teil von Stefano Bombardieris „Il peso del tempo sospeso“, ist eine emblematische und eindrucksvolle Skulptur. Sie ist aus Fiberglas gefertigt, 4 Meter lang, an zusammenlaufenden Seilen aufgehängt und schwebt etwa 3 Meter über jener Erde, der sie vorübergehend nicht angehört. Sie stellt ein greifbares Gewicht dar, das Momente extremer Freude oder Schmerzen widerspiegelt. Die Grautöne harmonisieren mit dem umliegenden Marmor, drücken aber auch das Gefühl der Verwirrung des Mensch-Tieres aus, das in einer scheinbar unsicheren Welt Halt sucht. 

Bombardieris Arbeiten mit imposanten Tieren werfen Fragen über menschliche Reaktionen auf Ereignisse auf, die das unstabile Gleichgewicht des Lebens in Frage stellen. Es geht um Themen wie Zeit, Wahrnehmung, Schmerz und den Sinn unserer Existenz. Das Nashorn im Stadtzentrum wird zu einem visuellen Prototyp und einem Alter Ego des Künstlers. Inspiriert von einer Sequenz aus Fellinis „E la nave va“ hat Bombardieri ein Werk geschaffen, das die menschliche Befindlichkeit widerspiegelt, insbesondere in einer Zeit, die von der Unsicherheit im Zusammenhang mit dem Covid-Notstand geprägt ist. 

Das schwebende und festsitzende Nashorn steht metaphorisch für den menschlichen Zustand des Schwebens und der Ungewissheit; der Künstler betont jedoch die Bereitschaft, den Boden wieder zu berühren, wie das Rhinozeros, das zwar festsitzt, aber bereit ist, seine Füße wieder auf den Boden zu setzen. 

Licht in der Tasche, von Collettivo Artistico DMAV (Dalla Maschera al Volto - Maske und Gesicht), 2023  

Das Projekt des Museo Pasquali - Agazzi umfasst drei vom Collettivo Artistico DMAV geschaffene zeitgenössische Kunstwerke, welche zu Ehren von Rosa und Carolina Agazzi, einflussreichen Pädagoginnen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, die zur Entwicklung der Kindergarten-Didaktik und -Pädagogik in Italien und im Ausland beigetragen haben, städtische Räume beleuchten. 

Die Geschichte der Pädagogik wird durch eine zeitgenössische künstlerische Sprache ergänzt, die vom DMAV grafisch aufgearbeitet wird. Die Werke, die auf drei wichtigen Orten in der Biografie der Agazzi-Schwestern verteilt sind, bilden eine poetische und physische Reise. Jedes Werk fasst Schlüsselelemente ihres pädagogischen Denkens zusammen und konzentriert sich auf die zentrale Bedeutung konkreter und materieller „kleiner Dinge" im Bildungsprozess. 

• Kleine Dinge, um groß zu werden, Via Veronica Gambara, 3, Liceo Veronica Gambara, , lenkt die Aufmerksamkeit auf das Konkrete und unterstreicht die Bedeutung von dekonstruiertem Material und „Gerümpel", das das Interesse der Kinder weckt, was für eine Bildungsreise unerlässlich ist.  

• NaturaAnima, Via Brigida Avogadro, 23, Istituto Artigianelli, in der Nähe des Ortes, an dem die Agazzis lebten. Neon spielt mit dem abwechselnden Schreiben von Natur und Seele, zwei Begriffe, die in Agazzis Pädagogik, in der das Sein in seiner Ganzheit im Kontakt mit der Natur seinen höchsten Ausdruck findet, völlig miteinander verwoben sind. 

• Die Installation IONOI" in der Via Ambaraga, hinter dem Pfarrhaus der Kirche Santa Maria in Mompiano, wo Carolina 1895 mit 100 Kindern zum ersten Mal einzog und wo sich die Pädagogik von Agazzi zu festigen begann. Neon erinnert uns daran, dass Kindheit immer die Eröffnung eines sozialen Raums und die Konstruktion einer gemeinsamen Welt ist: Eine Dimension, in der das Ich und die Anderen, vereint in der Verflechtung des Wir, der Realität Form und Bedeutung verleihen. 

Stein und Baum, von Giuseppe Penone, 1976, Viale Venezia 
Ein bemerkenswertes Beispiel der Arte Povera, das Penone für die Ausstellung Kunst und Umwelt" schuf, ist im Rebuffone-Park installiert. Das Werk kombiniert einen Botticino-Felsblock mit einem Rosskastanienbaum und verkörpert die poetischen Codes des Künstlers. Der Künstler erforscht die Verbindung zwischen Umweltveränderungen und menschlichem Handeln, die sich zeitlich und räumlich überschneiden, und reflektiert über die Möglichkeiten (und Grenzen) menschlichen Handelns in der Natur. 

Das französische Wort „aître" (abgeleitet von "atrium") erinnert phonetisch an den Infinitiv des Verbs „sein" und suggeriert einen offenen Ort, einen offenen Boden und die innere Anordnung eines Raums. Dieses Wort entwickelt sich zur Bedeutung des Bewusstseins und des Abgrunds der Gedanken und überlagert den Begriff des physischen Raums mit dem des Seins. In ähnlicher Weise untersucht Penone in seinem Werk den Raum im Zusammenhang mit dem Sein als körperlicher Existenz und der Wahrnehmung durch die Sinne. 

Im Inneren des Gartens zeigt ein neben einer Rosskastanie platzierter Botticino-Felsblock auf der Rückseite Rillen, die in minimalistischer Form an die Säulen eines dorischen Tempels erinnern. Aufgrund jahrelangen Vandalismus zeigt der Felsblock heute Spuren von Blau. 

Der Schlüssel zum Verständnis des Werks ist die beobachtbare Metamorphose zwischen dem Felsbrocken und dem Baum. Über einen Zeitraum von  fünfzig Jahren hat sich der Abstand zwischen ihnen verringert, was den Lauf der Zeit in Millimetern verdeutlicht. Penone fügt also dem Sein/aître und dem physischen Raum ein drittes Element hinzu, das zeitliche, das die beiden Bestandteile der Installation miteinander verbindet. 

Auf diese Weise unterstreicht Penone, dass die Folgen menschlicher Handlungen auch langfristig auftreten können. Wenn sie bewusst durchgeführt werden, können diese Handlungen die Natur zu einer allmählichen Annäherung an ihr eigenes Ökosystem führen. Das Werk wird nicht nur zum Indikator für den Raum, sondern auch für die Zeit und damit für die Existenz. 

(Text zum Teil von Nicolò Fiammetti in bresciaartguide.it übernommen) 

• MUSEO SANTA GIULIA 

Floating Santa Giulia, von Fabrizio Plessi, 2021-2023 
 

Das Werk, das von Fabrizio Plessi als ortsspezifische Installation für die Ausstellung PLESSI SPOSA BRIXIA geschaffen wurde, ist dank der Schenkung des Künstlers nun Teil der ständigen Sammlungen des Museums. 

Neben die „Santa Giulia crocifissa" gelegt, eine Giovanni Carra zugeschriebene Skulptur aus dem 17. Jahrhundert, hat der Künstler die weibliche Figur mittels komplexer Photogrammetrie digital reproduziert, wobei er sich auf die gemeißelte Draperie als sprechende und sich verändernde Form konzentriert, die den Fluss der Zeit und der Geschichte symbolisiert. 

Das Werk ist Teil eines komplexen multimedialen Projekts, bei dem Plessi fortgeschrittene Technologien einsetzt, um klassische Skulpturen neu zu interpretieren und sie neben die Originale zu projizieren. Die Technologie wird so zu einem ikonischen Aktivator, der den abgelenkten Blick der Ausstellungsbesucher weckt und das scheinbar Erstarrte und Vergessene ans Licht bringt. 

Mit Blick auf die Ikonographie von Santa Giulia erklärt Plessi: „Ich möchte ihr Leben einhauchen, sie im Wind bewegen, als ob sie noch da wäre", und lädt uns ein, über die ewige Botschaft der Geschichte nachzudenken, die in diesem historischen und künstlerischen Gut enthalten ist. Indem er das Werk mit einer zeitgenössischen Sprache anreichert, erforscht der Künstler Themen wie die Kraft des Glaubens, die Dramatik des Opfers und die Fähigkeit der Kunst, das Ende der materiellen Dinge durch ihren transzendentalen Impetus zu überwinden. 

• VIRIDARIUM – Skulpturenpark, Museo Santa Giulia 

Zeitgenössische Kunst im Viridarium: Die Grünflächen außerhalb des Domus, welche mit Baumarten ausgestattet sind, die in der Römerzeit weit verbreitet waren und zu dekorativen, kulinarischen oder therapeutischen Zwecken verwendet wurden, beherbergen zeitgenössische Kunstinstallationen, die im Laufe der Jahre erworben wurden: Michelangelo Pistolettos Das dritte Paradies (2015), Ariel Schlesingers We started with a flame (2019), Valerio Rocco Orlandos Formiamo Umanità (Lass uns Menschheit (aus)bilden - Vite operose) (2023) und Emilio Isgròs Stahlwelt (2023). 

Michelangelo Pistolettos Das dritte Paradies, 2015 

Der Begriff „Paradies" stammt aus dem Altpersischen und bedeutet „geschützter Garten". In der Geschichte der Menschheit sind zwei Paradiese zu erkennen: Das erste, das vollständig von der Natur bestimmt wird, und das zweite, ein künstliches Paradies, das von der menschlichen Intelligenz im Laufe der Jahrhunderte geschaffen wurde und Verbesserungen für das menschliche Leben, aber auch Konflikte mit der natürlichen Welt mit sich bringt. Michelangelo Pistoletto versteht das Dritte Paradies als eine Suche nach Versöhnung zwischen gegensätzlichen Polen wie Natur und Künstlichkeit, die nur durch kollektive soziale Verantwortung erreicht werden kann. 

Pistolettos Installation verbindet antike Steinrelikte auf dem Boden mit dünnen Aluminiumfolien an der Wand und schafft damit einen symbolischen Dialog zwischen der Kunst der Vergangenheit (dargestellt durch die römischen Steine) und der der Gegenwart (symbolisiert durch den Edelstahl). Der erste Kreis erinnert an das Paradies, in dem der Mensch in der Natur integriert war, während der zweite Kreis das künstliche Paradies darstellt, das Ergebnis der menschlichen Intelligenz mit künstlichen Bedürfnissen, Produkten und Vergnügen. 

Das dritte Paradies in der Mitte symbolisiert die Verbindung zwischen den vorhergehenden und schlägt eine neue Stufe der planetarischen Zivilisation vor, in der Natur und Technik in einem Gleichgewicht koexistieren. Diese Bedingung ist entscheidend für das Überleben der Menschheit und stellt eine Vision von Harmonie und Gleichgewicht zwischen beiden Kräften dar. 

We started with a flame, von Ariel Schlesinger, 2019, mit freundlicher Genehmigung der Massimo Minini-Galerie 
 
Im Garten des Viridariums steht ein 7 Meter langer Bronzebaum vom israelischen zeitgenössischen Künstler Ariel Schlesinger. Es handelt sich dabei um den Abguss eines großen Kakibaums mit arthritischen Ästen aus Bronze. Er trägt den Titel We started with a flame. Schlesinger stellt sich den Baum als einen Überlebenden eines zerstörerischen Ereignisses vor. Er will damit die Kraft der Natur darstellen, die glüht aber nicht verbrennt. Zwischen den Tonnen von Materie brennt eine winzige, unerschöpfliche Flamme, die nicht einmal die Rinde ankratzen kann.  
Das Werk verbindet die ständige Suche nach der Umwandlung eines Ereignisses vom Negativen ins Positive, die Ausnutzung des Gewöhnlichen als kreative Möglichkeit, ein beispielloses Verlangen nach Konfrontation mit der Großplastik, die den Wert der Überraschung nie aus den Augen verliert.  

 
Formiamo Umanità, von Valerio Rocco Orlando, 2022 
 

„Formiamo Umanità" ist eine Lichtskulptur im Rahmen des Kunstprojekts „Vite Operose" von Valerio Rocco Orlando, das in der Provinz Brescia stattfindet. Das Gebiet zeichnet sich durch seine Multikulturalität und die Aufnahme von Neubürgern aus, insbesondere durch die Beschäftigung. Das 2012 von der Fondazione Brescia Musei in Zusammenarbeit mit der Associazione Amici del FAI ins Leben gerufene Projekt zielt darauf ab, neue Einwohner durch das Wissen über das einheimische Kunsterbe zu integrieren. 

Das Projekt begann mit Lehrgängen im Bereich Kunst- und Kulturvermittlung und bezog italienische und ausländische Bürger ein, um die Integration und den interkulturellen Dialog zu fördern. Valerio Rocco Orlando untersuchte mit dieser Gruppe die Formen der sozialen Teilhabe, die sich aus der Aufwertung des kulturellen Erbes ergeben, sowie die Rolle der Arbeit bei der sozialen Integration. 

Der Dialog führte zu einem kreativen Workshop, in dem jeder Teilnehmer sinnvolle Sätze formulierte. Orlando wählte den sinnbildlichsten aus, „FORMIAMO UMANITÀ" (Lass uns Menschheit (aus)bilden), und verwandelte ihn in eine Neon-Lichtskulptur, die als Unikat handgefertigt wurde. Das Werk, das Teil einer Reihe ist, zu der auch Installationen auf dem Turm des Berlucchi-Schlosses in Borgonato und im Innenhof der GAMeC in Bergamo gehören, verkörpert die Rolle der Kunst als universelle Sprache, die den Dialog zwischen verschiedenen Kulturen erleichtert und eine gemeinsame Bildung durch die Kunst fördert. 
 

Stahlwelt, von Emilio Isgrò, 2024 

Das Werk von Emilio Isgrò bildet den Abschluss der künstlerischen Reise, die mit den temporären Installationen von Isgrò cancella Brixia im Format „Archäologische Etappen" begann. Dieses im Viridarium-Skulpturenpark von Santa Giulia liegende Werk ist ein imposanter Stahlglobus mit einem Durchmesser von 4 Metern. Die „Stahlwelt", die aus dem Rasen des nach Norden ausgerichteten Grünzugs hervorgeht, steht in einem ausgewogenen Dialog mit dem umgebenden monumentalen Raum. 

Der Globus, der einer Kugel ähnelt, die durch die Erdachse auf dem Boden gehalten wird, hat undurchsichtige Landflächen. Emilio Isgrò wendet seine besondere auf Streichungen basierte Technick an, um die Namen der Städte auf den Meridianen und Parallelen aus massivem Stahl zu verdecken, so dass nur noch Brescia mit seinem lateinischen Namen Brixia zu sehen ist. Diese symbolische Geste weist darauf hin, dass nur diese Stadt dem Vergessen der Auslöschung widerstehen kann, und steht für die Stärke ihrer römischen Wurzeln und ihre Fähigkeit, in der Geschichte zu überleben. 

Der Meister, der sich seit 1957 für die Aufwertung des archäologischen Erbes von Brescia tief einsetzt, stellt die Frage nach der Bestimmung der Ursprünge in der Geschichte und behauptet, dass Brescia in diesem Zusammenhang eine grundlegende Rolle spielt. Das Werk von Isgrò verleiht der Stadt eine eigene und erkennbare Geschichte und würdigt die Art und Weise, wie Brescia seine Vergangenheit geschützt hat, während es gleichzeitig einen ständigen Dialog mit der Gegenwart führt. Die tiefe Verbundenheit Brixias mit der Römerzeit wird als außergewöhnliche kulturelle und bürgerliche Gemeinschaft gefeiert, die ihren Status als UNESCO-Kulturerbe in einem historischen archäologischen Raum widerspiegelt. 

• DIE BURG VON BRESCIA 

Schimpansen, von Davide Rivalta, 2023 

 
Rivaltas Tierskulpturen, die anlässlich der Ausstellung Sogni di gloria (Träume von Ruhm und Glück) eigens für die Burg von Brescia geschaffen wurden, stellen Tiere dar, die in Parks und Zoos angetroffen und fotografiert werden: Körper in Gefangenschaft, die ihrer natürlichen Umgebung entrissen wurden und denen Rivalta in einem neuen Kontext Würde und Leben zurückgibt. Die Skulpturen sind das Bild einer neuen Welt, in der die vom Menschen geschaffene Landschaft, der Schlosspark, in dem sich bis 1988 unter anderem ein zoologischer Garten befand, zum Territorium des Tieres wird, zu einer Art Reich der anthropomorphen Affen. 

Die nach Abschluss der Ausstellung verbliebene Schimpansengruppe hält sich friedlich in der Fossa dei Martiri auf, im nördlichen Bereich des Mastio Visconteo. 

Diese Primaten nehmen Räume in Besitz, bringen aber manchmal auch die Absicht zum Ausdruck, in neue Areale einzudringen, den Wunsch, sie zu erobern und ihre Herrschaft über den Ort auszuweiten. Der Titel der Ausstellung Sogni di gloria (Träume von Ruhm und Glück) bezieht sich genau auf diesen Impuls, der durch die Haltungen der Tiere und ihre hypothetischen Bewegungen und Bahnen suggeriert wird, durch die der reale Raum auch zum Energiefeld der Skulptur wird.  

• CIMITERO MONUMENTALE - VANTINIANO  

Aus dem Paradies vertrieben, von Giuseppe Bergomi, 2023 

Das Werk von Giuseppe Bergomi steht als Mahnmal für die Opfer der Covid-19-Pandemie entlang der Hauptallee des Friedhofs Vantiniano. Das vom berühmten Brescianer Künstler Giuseppe Bergomi konzipierte und realisierte Werk zählt zu den bedeutendsten zu diesem Thema in der internationalen Kunstszene. 

Der Künstler hat sechs weibliche und sechs männliche Figuren aus schwarzer Bronze gegossen und sie mit gesenktem Kopf, nackt und verletzlich dargestellt, um die dem Menschen innewohnende Einsamkeit im Angesicht des Unglücks darzustellen, insbesondere angesichts der verheerenden Kraft der Pandemie und anderer unvorhergesehener Ereignisse, die Leid und Trauer mit sich bringen. 

Im zentralen Kern der Komposition tauchen zwei Figuren mit einem Schmerzensschrei auf, die an die Ikonographie der Cacciata dei progenitori dall’Eden (Die Vertreibung aus dem Paradies), die Masaccio im Fresko der Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz gemalt hat, erinnern. Diese ikonografische Wahl verleiht dem Werk eine symbolische Intensität, die das tragische Schicksal der Opfer des Virus und ihre schmerzhafte Trennung von ihrer ursprünglichen Harmonie unterstreicht.